Diversidad plástica

La exposición se podrá visitar hasta el 5 de mayo y muestra al visitante “una pequeña parte de cada proyecto” llevado a cabo por los artistas, explica Nerea de Diego, una de las directoras del centro, quien añade que “de ahí los diferentes acercamientos a obras que se enmarcan en un contexto de desarrollo artístico, de experimentación o investigación más amplio”. Dando un paseo por la exposición se observan grandes diferencias entre unos proyectos y otros, todos ellos “de una gran calidad”, que han contado con un presupuesto que ronda los 10.000 euros para llevarlos a cabo durante el año pasado. Dos de ellos, asimismo, han sido desarrollados en el mismo Centro Huarte gracias a la convocatoria de estancias que este espacio ofrece a los artistas. En este caso, han sido Andrea Ganuza y David Mutiloa quienes han trabajado en el interior del gran cubo en sus respectivos proyectos. Según explica De Diego, el objetivo de este programa de Ayudas a las Artes Plásticas y Visuales, que cumple ya su tercera edición, es el de fomentar la investigación, la producción de obra artística, la labor creativa y la difusión, proyección y consolidación de artistas de Navarra.

el cuerpo como documento Estitxu Arroyo presenta en el Centro Huarte Archivo-intimidad del presente, un proyecto que nace de otro, Cuerpo documento, que la artista comenzó en 2012 y en el que el cuerpo femenino es territorio, documento y eje fundamental de la práctica. Experimenta entre los límites de la instalación, la coreografía y la performance. El proyecto se ha desarrollado a partir de dos líneas cruzadas de investigación que se abren tanto en un marco escénico como de archivo. En esta ocasión, Arroyo expone una selección de materiales reunidos mediante un “proceso de conservación a largo plazo”, que busca hacer patente el modo en que “lo performativo puede llegar a generar un archivo, el cual mediante un proceso de destilación, sistemas de clasificación y conexión, se constituya en obra artística”, explica Arroyo.

“Trabajo con el cuerpo femenino porque vengo de las artes escénicas y trabajo siempre con el cuerpo, que es la herramienta fundamental de mi investigación y mi práctica; y yo tengo un cuerpo de mujer y trabajo sobre él, igual que todo lo que desarrollo son cuestiones que me interpelan y me interesan; siempre reflexiono sobre una serie de conceptos como la identidad, el género, el control de la topografía femenina, moda, consumo, construcción y deconstrucción del cuerpo femenino, exposición del cuerpo...”, comenta la artista.

el placer de bailar libremente El proyecto de Marisa Mantxola, Meneo, pone de manifiesto la idea de que la danza es un lenguaje y el baile en grupo, uno de los medios de expresión para la comunidad. Este evento es una reflexión sobre las relaciones que se generan en torno al acto de bailar, de su capacidad movilizadora y transformadora, en el que se habla de las partes y del todo, de cuerpos que vibran al mismo tiempo, del orden y del caos y, por supuesto, sobre la necesidad del placer de bailar libremente. “Quería hacer una gran coreografía colectiva y fue recibiendo imágenes de unas 70 personas que están bailando y las he editado para crear nuevas estructuras”, explica Mantxola.

A través de su proyecto celebra el movimiento y la capacidad que poseemos para construir nuevas estructuras, relaciones y miradas. “Mi propósito era hacer estructuras infinitas y fractales”, dice para añadir que el proceso de creación le ha otorgado “resultados inesperados y no controlados”. El propósito de este trabajo es visualizar y experimentar con el cruce de distintas formas de expresión, con la intersección entre lo escénico y lo visual, el diseño y la tecnología.

desde la intimidad de los afectos Amaia Gracia explica que su trabajo nace “desde la intimidad de los afectos y momentos vitales intensos”. Bajo el nombre de Desde hoy en adelante, está desarrollado a partir de elementos cotidianos, los cuales están presentes en el día a día de la artista y, en conjunto, le sirven para hablar del amor, el deseo, de la piel y de la pulsión interna presente en el hacer. Estos elementos aparecen en un tiempo concreto, sirven para masajear, morder, decorar o sujetar el cuerpo y se presentan en suspensión, atados o apoyados conformando una pequeña instalación.

“Todo mi trabajo tiene que ver con mi vida, con situaciones que me interesan o con las que estoy preocupada”, apunta Gracia, quien señala que “casi todas las piezas de esta exposición remiten al cuerpo, dan ganas de tocarlas y de hacer algún acto con ellas; enroscarte, colgarte...”. Así, en la muestra aparecen unos tubos de silicona, unas cuerdas tejidas con tricotil, cadenas, un mordedor o bolas que se adaptan al cuerpo. “Todo esto tiene que ver con el hecho de que hace poco fui madre, y ello se ha visto reflejado en mi trabajo; es algo que piensas que será inherente pero de repente sale a borbotones”, añade.

el dibujo como lenguaje Todo fluye a pesar de nosotros, de Andrea Ganuza, es un proyecto de dibujo y cómic, experimental y experiencial, desarrollado en Medellín (Colombia) que parte de la enunciación del dibujo como lenguaje y forma de vida directamente influenciada por el contexto. “Allí, me juntaba con diferentes artistas de Medellín y les hacía unas entrevistas sobre su posición ante el dibujo y su relación con el arte; mientras hablábamos, yo les hacía un retrato y ellos podían dibujar lo que quisieran”, explica Ganuza, quien muestra en la exposición los resultados de sus propios dibujos y de estos artistas con los que se reunía, de los cuales muchos le dibujaban a la pamplonesa.

“Entiendo el dibujo como un lenguaje y según el contexto en el que estemos la forma de aproximarse al dibujo es distinta; por eso vemos que hay una infinidad de estilos”, indica la artista. Asimismo, al lado de estas láminas se proyecta un vídeo realizado por unos chicos que decidieron grabar una maratón de cómic de 24 horas que tanto Ganuza como otros dibujantes realizaron en Medellín. “Este vídeo refleja muy bien todo lo que supuso aquella acción”, añade.

transformación laboral David Mutiloa analiza en Icarus de un modo alegórico algunas de las transformaciones ocurridas en las últimas décadas dentro de las dinámicas del trabajo productivo. A través de la digitalización de los procesos de trabajo, los conceptos de flexibilidad y adaptabilidad que fueron introducidos en las empresas durante las décadas de los 70 y los 80 han evolucionado hacia una fractalización extrema del contexto laboral. Actualmente, podríamos decir que el trabajador desaparece como persona y es reemplazado por fragmentos abstractos de trabajo, intercambiables y recombinables a través del flujo en red.

Su proyecto parte de reflexionar sobre los cambios que se produjeron en el espacio de trabajo que se produjeron con el cambio al modelo industrial y cómo eso afecta al espacio de trabajo; el artista revisita aquella época para repensar la situación actual, según explica el mismo Mutiloa, para quien se trata de ver aquella época como una especie de alegoría del presente. Así, a través de una serie de esculturas, fotografías y textos, y tomando a Olivetti como caso de estudio, Icarus traza la génesis de este cambio, tomándolo como el punto de inflexión en el que reside el origen de la tragedia contemporánea.

identidad y legado de izaro Izaro es un documental/ensayo en el que el artista Txuspo Poyo actualiza un retrato fragmentado de la identidad, la historia y el legado de la isla de Izaro hasta su diáspora. “Planteo cómo la isla es un lugar tanto imaginario como simbólico o utópico, y cómo han germinado diferentes identidades alrededor de lo que ha sido la isla de Izaro, a partir de nombres masculinos o femeninos, la productora de cine Izaro Film Presenta o uno de los atuneros de última generación construido por armadores de Bermeo y que está faenando en aguas del Índico bajo bandera de las Seychelles”, cuenta Poyo, para quien “hacer una definición de Izaro es algo muy complejo pero a través de diferentes relatos se va construyendo su imagen”.

realidad sonora Xabier Erkizia presenta en el Centro Huarte un proyecto artístico de investigación sobre un ruido. En STRIDOR, el ruido aparece como concepto consensuado y consensuador social que señala un sistema de valores sociopolítico reflejado a través de la realidad sonora. Un sonido pasa a ser ruido cuando su aportación a la cohesión social y la comunicación se devalúa y, en el sentido contrario, un ruido se valoriza en cuanto se identifica o se relaciona con una serie de valores positivos o productivos de cada comunidad. El caso de estudio que plantea este proyecto se basa en el estudio de uno de los sonidos no estrictamente musicales más antiguos de la civilización humana: el sonido de los carros de bueyes.

‘Habitación: Zazpi-Siete’. Los siete proyectos que se exhiben en el Centro Huarte se podrán visitar hasta el 5 de mayo en horario de 17.00 a 20.00 horas los viernes, y de 11.00 a 14.30 horas los sábados, domingos y festivos.‘Akanpada’. Entre las actividades organizadas en torno a la exposición Habitación: Zazpi-Siete, destaca el taller de mediación dirigido a todo el público Akanpada, que tendrá lugar el sábado 30 de marzo a las 11.30 horas. Se visitará la exposición y se realizarán varias actividades con la ayuda de una educadora.

‘Aperitifak’. El domingo 14 de abril, a las 12.00 horas, se celebrará un nuevo Aperitifak, en el que habrá un encuentro abierto a todo el público con el artista sonoro Xabier Erkizia, quien hablará del proyecto STRIDOR, del que se exhibe parte en el Centro Huarte.