Arte activador, en la sala Muralla de Baluarte

Hasta el próximo 24 de septiembre pueden conocerse los proyectos desarrollados en este marco por siete artistas navarros: Txaro Fontalba, Fermín Jiménez Landa, María Jiménez Moreno,Amaya Suberviola, Amaia Molinet, Marcos N. Sayas y Laida Aldaz.

Todos ellos han sido beneficiarios del Programa de Ayudas a las Artes Plásticas y Visuales 2022 en la categoría de producción –los proyectos de la categoría de publicaciones, de Iñigo Villafranca y Txuspo Poyo, se presentarán en otoño–.

Una convocatoria posible gracias a la colaboración entre el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte y el Departamento de Cultura y Deporte del Gobierno de Navarra y que este año se ha reeditado por séptima vez –con una dotación total de 90.186 euros para las dos categorías–, con el objetivo de fomentar la investigación, la producción de obra, la difusión y consolidación de artistas de la Comunidad foral.

"Se necesita un apoyo continuado"

Cada artista presente en esta exposición ha elegido la manera de mostrar el proceso que llevó a cabo a lo largo de 2022 durante la realización de su proyecto. “Lo que vemos es solo la punta del iceberg, porque debajo hay todo un proceso previo de muchísimos meses de investigación y trabajo diario, de pequeños logros, idas y venidas”, ha comentado este viernes la directora del Centro Huarte, Oskia Ugarte, en la presentación de la muestra en la que también ha intervenido en representación de la Dirección General de Cultura Celia Martín Larumbe, jefa de la Sección de Museos del Gobierno de Navarra.

“Lo que se muestra es solo la punta del iceberg de muchísimos meses de investigación y trabajo”

Oskia Ugarte - Directora del Centro Huarte

Para Martín Larumbe, es clave “mantener, dotar y comunicar muy bien estas ayudas, las únicas que existen para este tipo de creación artística, que es muy compleja. La creación contemporánea es la que resulta más ajena al común de las personas que conviven con ella, y las instituciones tenemos que velar para que se dé una mediación, una comunicación entre quienes crean y los públicos que acceden a esas creaciones”.

Por su parte, los y las artistas que han acudido a la presentación se han mostrado muy agradecidos al Centro Huarte y el Gobierno de Navarra por estas ayudas y han apuntado la importancia de que haya “continuidad en el apoyo” a las artes plásticas y visuales, y de que se apueste por “contar con un espacio expositivo propio en el centro de Pamplona, que tenga un programa propio, genere un hábito en los y las visitantes y sea una referencia en la creación contemporánea”.

Txaro Fontalba: 'Clitoria'

Clitoria es un proyecto experimental de simbolización del placer femenino, históricamente invisibilizado, simbólicamente tachado o también en ciertos lugares físicamente mutilado. Fontalba presenta Hysterical Playground y, en torno al objeto balancín, incide en la contraposición entre la economía del útero y de la reproducción, frente a la del cuerpo (femenino) como lugar del placer.

Y Al aire de su vuelo en relación al placer femenino clitórico, a través de la figura de la ascensión de la Virgen María como afirmación de la política sexual, como signo de mujer clitórica, al margen de los monoteísmos y el canon vaginal.

Fermín Jiménez Landa: 'Dulce trago agridulce'

El proyecto de Fermín Jiménez Landa es un proceso y un resultado. Es la búsqueda de figuras de poder como políticos, cargos públicos y otros tipos de personas de influencia a la que se le realiza una impresión dental para hacer un molde de su dentadura superior y hacer varias copias de metal fundido. El resultado es una pieza escultórica con la que el público puede autoinfligirse un mordisco literal del poder. La pieza requiere una negociación algo perversa entre arte y jerarquía, mucha diplomacia, diálogo y humor.

“Se necesita continuidad en el apoyo a la creación, y un espacio expositivo en el centro de la ciudad”

Fermín Jiménez Landa - Artista

María Jiménez Moreno: 'Debajo de mi almohada vivirán todas mis cosas'

Este proyecto surge a raíz del dicho popular “lo consultaré con la almohada”, y la artista parte del objeto almohada (o cojín) para reflexionar sobre cuestiones de la vida cotidiana que emergen en momentos de reposo y calma: los sueños, la fantasía, la espiritualidad, el paso del tiempo, la ausencia, el amor, la empatía, la prosperidad, la migración, el miedo, el medio ambiente, las tareas diarias, las vacaciones, el estrés o la familia.

El proceso creativo se centra en la experimentación con la estampación textil, el bordado y la costura. El resultado final es una serie de 16 piezas escultóricas textiles vinculadas con el diseño de mobiliario doméstico.

Amaya Suberviola: 'Traducción de pantalla'

Este díptico se produce con una lógica de composición similar a lo que ocurre mediante la superposición de ventanas con imágenes abiertas en el escritorio del ordenador. El lienzo va madurando a medida que dialogan capas y fragmentos de imágenes traducidas a pintura según las necesidades de la obra. El resultado son dos escenas donde la autora oculta a la vez que deja ver a través de espacios que actúan como mirillas a estados anteriores del lienzo.

El trabajo de Amaya Suberviola se gesta desde una intención de abordar la pintura desde una visión contemporánea, influenciada por la forma de mirar de la época que nos envuelve. Así, se detiene en las características particulares de las imágenes y sus contenedores propios de su generación, planteando una traducción a pintura.

Amaia Molinet: 'La ideología del amor'

Los spomeniks, término que se traduce como monumentos, tienen una evidente función conmemorativa desde la estética que no sólo alude a una ideología adscrita a la forma de gobierno de su época, sino que aglutina la proyección de una identidad común en unos territorios muy complejos. Amaia Molinet centra su interés en lo que supone cada una de estas intervenciones en el paisaje de diversos puntos de nuestro continente. “Son construcciones de cemento y hormigón ordenadas a construir por hombres. Incluso su presencia impositiva, si tuviese género, diríamos que culturalmente se construye y se percibe como algo masculino”, apunta.

“Las instituciones debemos velar para que se dé una mediación entre arte y públicos”

Celia Martín Larumbe - Jefa del Servicio de Museos del Gobierno de Navarra

Desde un interés por cuestiones relacionadas con la memoria histórica y desde un cierto prisma ecofeminista, se plantea una lectura personal de emplazamientos donde se pueden encontrar spomeniks y bunkers. “Quiero que el amor sea mi motivación y la metodología de trabajo mediante la que poder atravesar y recorrer simbólicamente la historia de nuestro continente, para permitirnos una relectura a través del arte contemporáneo, y abrir la posibilidad a otros relatos. Entiendo que el amor tiene que ver con deseo y fascinación, pero también con afecto, cuidado y reparación”, explica la autora.

Marcos N. Sayas: 'Murmuro'

El bosque tiene su propio idioma, el murmuro: un suave conjunto de sonidos que ocultan un universo tras de sí. Los trabajos que componen este proyecto del pintor Marcos N. Sayas (Pamplona, 1999) ahondan en todo aquello que se esconde tras el murmuro; nacimiento, muerte, dormir, despertar, realidades y fantasías que plagan nuestros sueños y nos llevan a imaginar en el bosque un mundo paralelo.

Laida Aldaz: 'To let go'

To Let go es un curioso y evocador libro de poesía visual de grandes dimensiones que contiene incrustadas 4 pantallas con diferentes imágenes en movimiento cada vez que se pasa una página. En ellas aparecen personas atadas a objetos y entre sí, que evocan la imposibilidad de dejar ir.